Lühike kinoajalugu 20. sajandi keskpaigast tänapäevani: väljavõte Anton Dolini raamatust
Raamatud Kino / / December 28, 2020
Autorikino kõrgaeg
Alates 1950. aastate keskpaigast on kogu maailmas esile kerkinud filmitegijad ja filmitegijad, kellel kõigil on oma stiil ja stiil. Mõni neist austab üksteist, teine vastupidi põlgab ja enamus ehitab oma kunstilise universumi, kus elavad kaaslased ja fännid.
1950. – 1970. Aastad olid autorikino populaarsuse tipphetked: inimesed vaatavad seda, keelavad seda, ülistavad, vaidlevad selle üle ägedalt, kirjutavad artikleid ja terveid raamatuid. Esimest korda räägivad teoreetikud tõsiselt kinost kui kunstist, mis ei jää kuidagi alla selle vanematele vendadele - teater, kirjandus, maal või muusika.
Nõukogude Liidus, hoolimata tsensuurist, kompromissitu autori oma Film ja ainulaadsed kunstnikud: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German seenior, Kira Muratova.
Kümme katsetatavat filmi:
- Tokyo lugu, 1953, Yasujiro Ozu, Jaapan;
- “Seitse samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Jaapan;
- Sõna, 1955, Karl Theodor Dreyer, Taani;
- Seitsmes pitser, 1957, Ingmar Bergman, Rootsi;
- "Seiklus", 1960, Michelangelo Antonioni, Itaalia;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Itaalia;
- Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Suurbritannia / USA;
- Päeva kaunitar, 1967, Luis Buñuel, Prantsusmaa;
- Hirm sööb hinge, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Saksamaa;
- Peegel, 1974, Andrei Tarkovsky, NSVL.
Uus hollywood
Seda Ameerika autorikino suundumust mõjutasid osaliselt Euroopa ja Aasia kinematograafia ning festivaliliikumine. Tema sünd on seotud Hayesi tsensuurikoodeksi kaotamisega, mis nägi ette ranged reeglid, mis on lubatud ja mida ei saa filmides näidata ja Ameerika "stuudio" süsteemi kriisiga, uppunud enesekordusesse ja väsinud pealtvaatajad.
Noored filmitegijad-filmi vaatajad tundsid end olevat osa maailma kultuurikogukonnast. Nad loobusid kõikidest piirangutest ja uurisid Ameerika elu tabuteemasid. Samal ajal olid nende filmid populaarsed ja pälvisid täismaja, esitati filmiauhindadele ja pälvisid need.
Asendati tavalise ameeriklase sotsiaalsed probleemid ja traumauuringud uutes Hollywoodi filmides žanrikino tavapärased kinematograafilised seadused koos selle kohustusliku ja sageli valvega õnnelikud otsad.
Viis filmi, mida proovida:
- Lõpetaja, 1967, Mike Nichols, USA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
- Ristiisa, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
- "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.
Blockbusters
1970. aastate keskel toimus Ameerika ja seejärel kogu maailma kinodes kommertsrevolutsioon. Noorest Hollywoodist pärit sisserändajad George Lucas ja Steven Spielberg nad filmivad noorele publikule uskumatult populaarseid žanrifilme, mis purustavad kõik kassarekordid. Sellest hetkest alates läheb Ameerika järk-järgult üle tõsise kino masstoodangult täiskasvanute meelelahutusfilmide publik - tõelised kommertsmasinad raha teenimiseks raha. Neid nimetatakse "kassahittideks" - sõna otseses mõttes "naabruskonna hävitajateks".
Blockbusters on endiselt Hollywoodi stuudiojõu ja Ameerika filmitööstuse elujõu keskmes.
Viis filmi, mida proovida:
- Lõuad, 1975, Steven Spielberg, USA.
- Tähesõjad, 1977, George Lucas, USA.
- Tulnukas, 1979, Ridley Scott, USA.
- Terminaator, 1984, James Cameron, USA.
- Die Hard, 1988, John McTiernan, USA.
Postmodernism
See sõna hirmutab paljusid. Ühelt poolt ei suuda keegi lühidalt ja selgelt kirjeldada, mida sellega mõeldakse. Teisalt on tema kohta kirjutatud nii palju uuringuid ja raamatuid, et mõeldakse liiga palju.
Kinos on postmodernismi selged ilmingud hierarhiasüsteemi (nii autoriõiguse kui ka kaubandusliku) eiramine kino), läbiv iroonia, kõikjal levinud tsitaadid kino klassikast, moralismi puudumine ja õpetlik. Lisaks žanrite ja stiilide segule, "kõrge" kunsti ja massikultuuri mittediskrimineerimisele, vaataja kaasamisele vaatamine kui omamoodi kultuurimäng, kus tal palutakse ära arvata, mis tegelikult sees on pange tähele autorit.
Alates 1980. aastate keskpaigast on postmodernism kinematograafia üle kogu maailma üle võtnud.
Kümme näidet, mida proovida:
- Sinine samet, 1986, David Lynch, USA;
- "ASSA", 1987, Sergei Solovjov, NSVL;
- "Naised närvivapustuse äärel", 1988, Pedro Almodovar, Hispaania;
- Nikita, 1990, Luc Besson, Prantsusmaa;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Jaapan;
- «Kriminaalromaan», 1994, Quentin Tarantino, USA;
- Surnud mees, 1995, Jim Jarmusch, USA;
- Lainete murdmine, 1996, Lars von Trier, Taani;
- Naljakad mängud, 1997, Michael Haneke, Austria;
- “Friikidest ja inimestest”, 1998, Aleksei Balabanov, Venemaa.
Festivalid
Esimesi filmifestivale hakati korraldama juba enne II maailmasõda. Mõjukaim filmisaade oli Veneetsia, mis asutati 1932. aastal diktaator Benito Mussolini isiklikul algatusel. Cannes'i festival peeti esmakordselt sama kümnendi lõpus alternatiivina ja vastukaaluks Veneetsia festivalile, kus fašistlikud ideed muutusid üha mõjukamaks. Plaanid ei olnud määratud täituma: algas sõda. Selle tulemusena toimus esimene Cannes'i festival 1946. aastal.
Euroopa tähtsamateks filmisaadeteks peetakse traditsiooniliselt festivale Berliinis (veebruaris), Cannes'is (mais) ja Veneetsias (August-september) on mainekamad nende auhinnad: "Kuldne karu", "Kuldne palm" ja "Kuldne lõvi" vastavalt. Lisaks on pikka aega kuulsaid festivale peetud Locarnos ja Rotterdamis, Karlovy Vary ja San Sebastianis, Torontos ja Busanis.
Rahvusvahelisi filmifestivaleid on maailmas rohkem kui päevi aastas.
Kakskümmend festivali võitjat proovida:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Jaapan (Veneetsia);
- "Maksa hirmu eest", 1954, Henri-Georges Clouzot, Prantsusmaa (Cannes);
- "12 vihast meest", 1957, Sidney Lumet, USA (Berliin);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Hispaania (Cannes);
- Ivani lapsepõlv, 1962, Andrei Tarkovsky, NSVL (Veneetsia);
- Cherbourgi vihmavarjud, 1964, Jacques Demy, Prantsusmaa (Cannes);
- Military Field Hospital, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
- Canterbury lood, 1972, Pier Paolo Pasolini, Itaalia (Berliin);
- "Tõus", 1977, Larisa Šepitko, NSVL (Berliin);
- Kõik see jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
- “Nimi: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Prantsusmaa (Veneetsia);
- "Pariis, Texas", 1984, Wim Wenders, Saksamaa (Cannes);
- Punane Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Hiina (Berliin);
- Barton Fink, 1991, Ethan ja Joel Coen, USA (Cannes);
- Klaver, 1993, Jane Campion, Uus-Meremaa (Cannes);
- Elagu armastus, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Veneetsia);
- Meeleolukas ära, 2002, Hayao Miyazaki, Jaapan (Berliin);
- Natüürmort, 2006, Jia Zhangke, Hiina (Veneetsia);
- “4 kuud, 3 nädalat ja 2 päeva”, 2007, Cristian Mungiu, Rumeenia (Cannes);
- "Onu Boonmi, kes mäletab oma varasemaid elusid", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Tai (Cannes).
Muideks
Kes ja miks festivale vajab?
Paljud usuvad, et tegemist on omamoodi "edevamessidega", mis eksisteerivad ainult klatši pärast - punasel vaibal kõndimisvarustus. Tegelikult on filmifestivalid omamoodi mehhanismid, mis pakuvad alternatiivi Hollywoodi stuudiosüsteemi rentimisele ja reklaamimisele (samuti selle analoogidele kogu maailmas).
Professionaalne žürii ja filmikriitikud vaatavad täiesti uusi filme (tavaliselt kuuluvad need autorikino valdkonda) ja valivad kõige andekamad. Sellest saab teada kogu maailm: abiks on nii intriig ümber auhinna kui ka kuulujutute kolonn. Koos festivalidega on ka filmiturud, kus sõlmitakse mitte ainult äri- ja žanrifilmide, vaid ka autori-, avangard- ja eksperimentaalfilmide müügi- ja ostutehinguid. Peaaegu kõik sõjajärgse filmiajaloo olulised režissöörid on festivalide kaudu kuulsaks saanud.
"Oscar"
Inimkond on kindel, et kino valdkonnas on kõrgeim autasu Oscar ja teda on võimatu veenda. Kuid Oscar on puhtalt Ameerika tööstuspreemia, mille piiratud koordinaatides kogu kinematograafia nähtamatu: lõppude lõpuks autasustatakse ainult filme, mis ilmusid aasta jooksul USA.
Võib-olla omistavad nad auhinnale nii suurt tähtsust, sest Oscarid on suurejooneline etendus. Või seetõttu, et kõige kuulsam
tähed maailmas on Hollywood. Aga ennekõike muidugi seetõttu, et Ameerika kino on maailmas kõige populaarsem.
Põhjus on lihtne. Prantslased teevad filme prantslastele, taanlased taanlastele, indiaanlased indiaanlastele, hiinlased hiinlastele ja venelased venelastele. Sellest reeglist on erandeid, kuid need on haruldased ja tähtsusetud. Ja ainult Hollywood teeb filme mitte ameeriklastele, vaid kogu maailmale.
Kakskümmend parimat Oscari filmi, mida proovida:
- See juhtus ühel õhtul, 1935, Frank Capra, USA;
- Tuulest viidud, 1940, Victor Fleming, USA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
- Kõik Eve kohta, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
- Korter, 1961, Billy Wilder, USA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise ja Jerome Robbins, USA;
- Araabia Lawrence, 1963, David Lin, Suurbritannia;
- Kesköine kauboi, 1970, John Schlesinger, USA;
- "Ristiisa - 2", 1975, Francis Ford Coppola, USA;
- Üks lendas üle kägu pesa, 1976, Milos Forman, USA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
- Platoon, 1987, Oliver Stone, USA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
- «Tallede vaikus», 1992, Jonathan Demme, USA;
- Schindleri nimekiri, 1994, Steven Spielberg, USA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
- "Titanic", 1998, James Cameron, USA;
- No Country for Old Men, 2008, Ethan & Joel Coen, USA;
- Linnumees, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, USA.
Tuntud vene ajakirjanik ja filmikriitik Anton Dolin kirjutas lastele ja täiskasvanutele mõeldud raamatu, kus analüüsis kino kohta olulisi küsimusi. Miks me filme vaatame? Kuidas kinokeelest aru saada? Mis siis, kui sul on igav? Kuidas kino muutub ja mis sellest kaugemas tulevikus saab? Väga tore boonus - väljaande illustratsioonide joonistas välja kunstnik, animaator ja Oscari nominent Konstantin Bronzit.
Osta raamat
Loe ka🧐
- 10 raamatut, mis äratavad kunstniku sinus
- Brodsky loend: raamatud, mida tuleb lugeda, et teil oleks millestki rääkida
- Juhend Haruki Murakami raamatutele: mis on neis erilist ja miks neid tuleks lugeda