"Minu viieaastane tütar joonistab samamoodi": kuidas alustada kunsti mõistmist ja mida peaksite selleks teadma

Kunstnike või skulptorite töid käsitleme alati subjektiivselt, sest loovuses puuduvad ranged standardid. Kunstikriitik Nikita Monich rääkis Science Pulverizeri taskuhäälingusaate kuulajatele, kuidas õppida kunsti mõistma ning kas saab uskuda stereotüüpe loojate elu ja loomingu kohta.

Kas kunstnik peab tõesti näljane olema?

Keeruline probleem. Me puutume selle stereotüübiga väga sageli kokku. Aga asendagem sõna "kunstnik" mõne teise elukutse nimetusega. Kas on tõsi, et matemaatik, mehaanik, minister või president peaks elama vaesuses? Kui igaüks meist oma äri peale mõtleb, jõuame suure tõenäosusega järeldusele: "Kindlasti töötan, et mitte nälga jääda." Ja kunstnikud suhtuvad oma loomingusse samamoodi.

Samuti tasub selgitada, mida tähendab "professionaalne kunstnik".

Kuid juhtub, et maalikunstniku töö saab väärilise hinnangu alles pärast tema surma. On palju loojaid, kes elasid vaeselt ja surid arusaamatult. Ja neil polnud aega näha, et nende maalid on nõudlikud. Seetõttu usuvad kunstiajaloolased: kui maalikunstniku tööd on kõrgelt hinnatud, siis võib teda pidada professionaaliks, kes on kunstile olulise panuse andnud.

Kunstnik ei pea muidugi näljas olema, kuid mõnikord on ta sunnitud elama vaesuses. Juhtub, et tema nägemus maailmast, sõnumid, mida ta püüab oma teoste kaudu edasi anda, ei kõla maalide ostjate seas. Seda juhtub sageli uuendajatega. Või nendega, kes saavad tunnustust vaid lühikese loomeelu perioodi jooksul. Siis jäävad need meistrid tõesti nälga.

Aga õnneks teame paljusid kunstnikudmis õnnestusid. Nad said väga hästi aru, mida nende kaasaegsed vajavad. Samuti võiksid nad lisada traditsioonilistele lähenemisviisidele uue nägemuse. Kuid nad tegid seda annustena – et ühiskond aktsepteeriks nende uuenduslikke otsuseid.

Sellise tunnustuse saavutasid Raphael, Rubens ja hiljem Marc Chagall, Salvador Dali, Pablo Picasso.

Kuid on ka teisi näiteid – näiteks Klimt ja Schiele. Esimesel oli hiilgav karjäär ja ta oli Viini edukaim kunstnik. Teine on tema õpilane. Ta elas õnnetult lühikest elu ja sai tunnustuse alles päris lõpus.

Seetõttu juhtub, et kunstniku motoks saab fraas l’art pour l’art - “kunst kunsti pärast”. Ja raha peabki teenida muidu. Seda tegi näiteks kuulus da Vinci.

Kas me saame eraldada kunstnike legendid faktidest?

Räägime edasi Leonardost ja vaatame tema Mona Lisat. Selle kuulsa maali ümber on palju legende. Näiteks arvatakse, et kunstnik palkas muusikud, et modellil ei hakkaks teda joonistades igav. Ja Gioconda kuulus naeratus ilmus just tänu sellele muusikale. Ja üldiselt maalis kunstnik tüdruku huuli ainult 12 aastat.

Siin on raske fakte spekulatsioonidest eraldada. Me ei tea peaaegu midagi, kuidas see tegelikult töötas da Vinci ja tema kaasaegsed. Jah, me saame näiteks Leonardo päevikuid uurida. Kuid tema märkmete mõtestamine pole lihtne ülesanne.

Leonardo ja tema kaasaegsete elulugudega oleme tuttavad kunstniku ja kunstikriitik Vasari ülestähendustest. Kuid me ei tea, kui täpselt faktid neis kanooniliseks muutunud teostes kajastuvad.

Näiteks kirjeldab Vasari Mona Lisa kulme. Kuid lõuendil pole kulme. Pealegi puuduvad need mitte ainult lõplikus versioonis. Väliskihi all, kui röntgeni abil pilti uurida, pole ka kulme näha. Selgub, et Vasari kas ise seda pilti ei näinud ja “Rabinovitš laulis” talle või nägi seda, aga kirjutas sellest mälu järgi ja eksis.

Kuid on ka fakte, milles oleme kindlad. Leonardo kirjutas La Giocondat väga pikka aega ja suhtus sellesse eriliste emotsioonidega. Ta asus tööle pärast tellimuse saamist 1467. aastal. Siis ei andnud ta maali kunagi kliendile ja võttis selle pikaks ajaks kaasa. 40 aasta pärast naasis Leonardo tööle. Võib-olla lisas ta vaid paar lööki – isegi röntgenikiirte abil ei saa me täpselt öelda, mis aastal iga konkreetne löök tehti. Kuid me teame, et kunstnik lõpetas maali palju aastaid pärast töö algust.

Keda kunstnikud tegelikult oma portreedele joonistavad?

Näib, et vastus on ilmne: need, kes on neile eeskujuks. Kui aga rääkida Mona Lisast, siis võib kuulda palju spekulatsioone selle üle, keda Leonardo tegelikult kujutada tahtis. Mõned usuvad seda ise. Või isegi Kristus.

Tegelikult pole väga oluline, kes pildi modellina oli. Sageli on portree lihtsalt pilt. Oletame, et lõuendil olev inimene on poseerijaga väga sarnane. Iga maal on aga ka kunstniku enda portree. Aga mitte sellepärast, et ta alati oma välimust maalib.

Siin pole oluline mitte vorm, vaid sisu. See on sõnum, tähendus, mille kunstnik igasse oma teosesse paneb. Ja see sõnum sõltub täielikult loojast.

Millist rolli mängisid naised klassikalises kunstis?

Tihti said neist loojate muusad. Kuid harva suutsid nad ise omandada klassikalist haridust ja saada kunstnikeks.

See on üks piirangu põhjusi. Iga maal või skulptuur on meeleline objekt. Loomingut on alati seostatud seksuaalsusega. See on suures osas sublimatsioon, st sensoorse energia suunamine teises, loomingulises suunas. Ja me teame seda kunstnikudKlassikalise kunsti loojad maalisid sageli alasti naisfiguure. Selleks poseerisid neile modellid.

Möödunud sajanditel oli aga võimatu isegi mõelda, et tüdruk joonistas alasti meest. Ta ei saanud isegi temaga ühes ruumis olla.

Aga see ei tähenda, et naised poleks kunsti kuidagi mõjutanud. Vastupidi, ilma nendeta oleks see vaevalt kõrgele tasemele jõudnud.

Hiljuti tegi Prado muuseum projekt El Prado en femenino. Selle loojad tegid video, kus muuseumi seintelt kadusid kõik maalid, mille naine tellis, ostis või naise kollektsiooni tegi. Ja selle tulemusena kadusid videos muuseumisaalidest peaaegu kõik peamised meistriteosed.

Kas tavaline inimene, mitte spetsialist, saab kaasaegsest kunstist aru?

Iga maal, skulptuur, dekoratiiv- ja tarbekunstiteos, meloodia on sõnum. Ja seda edastatakse mõnes keeles. See tähendab, et selle sõnumi dešifreerimiseks peate teadma keelt, milles see edastatakse.

Kui inimene näeb pildil mõnda inimest või eset, siis sageli tundub talle, et kõik on selge. Vaataja võib mõelda: see on realistlikult joonistatud ilus naine – mis selles ebaselget on? Kuid ta ei näe allegooriaid, ei tea, milline lugu on pildil krüpteeritud, ei tunne ära sellega seotud kirjanduslikke tsitaate. Kui ta näeb pühakuid, ei pruugi ta teada, mille poolest nad kuulsad on, mille juurde on joonistatud nende atribuudid või miks neid atribuute vaja oli. Ja lõpuks ei mõista ta sõnumit, mida kunstnik tahtis edastada.

Inimene aga järeldab: «Ma saan sellest aru, sest siin on inimesi. Kuid siin on lihtsalt laigud, minu viieaastane tütar joonistab samamoodi - ma ei saa aru.

Kuid selleks, et suhe tekiks, peate mõistma, mida teile täpselt räägiti. Kui fraas kõlab võõras keeles keel - näiteks vietnami või ungari keeles - ta ei taju midagi. Ja ta ei saa sõnumit kätte, isegi kui see on äärmiselt oluline ja võib tema elu muuta.

Järeldame: kunstist aru saada tähendab hästi tunda keelt, mida kunstnik räägib. Kui te sellest keelest aru ei saa, on artisti võimatu kuulda.

Kuidas õppida kunsti mõistma

Tasub mõista, mis teile täpselt meeldib ja millega kokku puutub. Selleks peate proovima erinevaid asju. See on nagu toodetega: võid võrrelda mitut sorti mahla ja siis otsustada, et õlu meeldib sulle ikkagi rohkem. Kuid kõigepealt peate proovima iga jooki.

Kui oled tutvuma hakanud art, pidage meeles kahte reeglit:

1. Huvi pildi vastu algab teisest vaatamisest. Kui soovite seda uuesti vaadata, tähendab see, et selles on midagi.
2. Ärge kartke spoilereid. Enne muuseumisse minekut saab selle kohta lugeda. Ja vaadake 20–30 meistriteost, mida seal hoitakse. Neid on lihtne leida näiteks platvormilt Google Arts&Culture.

Algul vaadake lihtsalt pilte, sirvige lehti - esimesel etapil piisab sellest. Samal ajal avage uutel vahekaartidel need lõuendid, mis teie tähelepanu köitsid. Seejärel vaadake neid teoseid uuesti, lugege nende kohta.

Hiljem muuseumi minnes minge otse teid huvitavate maalide juurde. See tähendab, juba tuttavatele lõuenditele. See on vajalik selleks, et te ei raiskaks oma kõige väärtuslikumat ressurssi – tähelepanu.

Seetõttu vaadake ainult seda, mida olete eelnevalt planeerinud. Ja siis proovige kõigest, mida nägite, välja tuua kolm tööd:

1. Mis teile kõige rohkem meeldis.
2. Mis sulle kõige rohkem ei meeldinud.
3. Mis teile kõige kummalisemaks tundus.

Seejärel võtke nutitelefon ja lülitage see sisse äratusnii et see heliseb viie minuti pärast. Väga oluline on kogu selle aja mitte vaadata ekraani, seega olgu selleks äratuskell, mitte taimer. Ja rääkige valitud pildiga viis minutit. Rääkige kindlasti valjusti, ainult vaikselt – olete ikka muuseumis. Rääkige keskmise tempoga, ilma kordamiseta. Jätkake, kuni kõlab äratus.

Noh, kui korrata seda tehnikat iga kord, kui uut näitust külastate, koguneb aja jooksul tajukogemus. Ja saate kunsti paremini tõlgendada.